Holzschnitzerei - ein Kunsthandwerk

Was ist Holzschnitzerei? Dass Holzschnitzereien nach wie vor beliebt sind, zeigt ein Besuch in einigen der renommiertesten Kunstgalerien und Auktionen der Welt. Kunstwerke aus Holz haben seit jeher die Phantasie von Designern und Künstlern angeregt, weil sie leicht zugänglich und relativ einfach zu schnitzen sind. Die Entwicklung der Holzschnitzkunst verläuft parallel zur Entwicklung der Kunst insgesamt, von der Verwendung für religiöse und Andachtsskulpturen bis hin zur Metamorphose zu abstrakten Formen. 

Geschichte der Holzschnitzerei

Die Holzskulpturen wurden nicht nur fein bearbeitet und gefärbt, sondern auch wegen ihrer organischen Schönheit und Textur geschätzt. Sie nahmen nicht nur die von den Künstlern beabsichtigten Formen an, sondern wurden auch wegen ihrer Ästhetik geschätzt.

Neben ihren grundlegenden Eigenschaften waren die Kunstwerke aus Holz jedoch auch mit anderen kulturellen und sozialen Konnotationen behaftet, die ihre Verwendung beeinflussten.

Die Holzskulpturen in der westlichen Kunst haben sich von einem Material, das häufig verwendet wurde und als kulturell weniger wertvoll galt als beispielsweise Marmor, zu einem Material entwickelt, das von den zeitgenössischen Künstlern gefeiert und häufig verwendet wird. Heute werden wir die Geschichte der Schnitzerei erforschen und uns mit Beispielen von Holzskulpturen und Holzbildhauertechniken befassen, die von Künstlern im Laufe der Jahre verwendet wurden. 

Holzschnitzerei und Skulptur im Mittelalter

Obwohl die Praxis, Kunstwerke aus Holz zu schaffen, bis in prähistorische Zeiten zurückreicht, als Holzskulpturen eine besondere zeremonielle Rolle spielten - das früheste Beispiel für Holzschnitzerei ist das Shigir-Götzenbild, das vor etwa 11.000 Jahren geschnitzt wurde -, beginnen wir mit dem Mittelalter.

Das Christentum erkannte schon sehr früh, dass Holz für religiöse Zwecke verwendet werden kann, und schnitzte Kreuze und andere heilige Bilder und Heilige in Holz.

Die älteste Holzschnitzerei Das Große Schigir-Idol, das im Swerdlowsker Regionalmuseum für lokale Tradition (Jekaterinburg) aufbewahrt wird, ist die älteste bekannte Holzskulptur der Welt. Eine 1997 durchgeführte radioaktive Datierung ergab ein Alter von etwa 11.600 Jahren;

Viele der hölzernen Skulpturenschätze sind im Laufe der Jahre verschwunden, weil sie vergänglich und anfällig für Wasser, Insekten und Pilze sind. Das Mittelalter schränkte auch die Anzahl der visuellen Geschichten ein, die Künstler erzählen durften. Diese wurden in der Regel auf religiösen Konferenzen beschlossen, bei denen das Dogma streng befolgt wurde und Anweisungen darüber, was erlaubt und was nicht erlaubt war, die meisten künstlerischen Bemühungen der Epoche bestimmten. Der Heilig-Blut-Altar, das Gero-Kruzifix und die Pietà in Rot sind nur einige der vielen herausragenden Beispiele der Holzschnitzerei.

Deutschland war eine der produktivsten Regionen für die Kunst der Holzschnitzerei und brachte zahlreiche Meisterwerke hervor. Aus Holz wurden neben Figuren auch Deckenbalken, Altarbilder, Porträtbüsten und Reliefs gefertigt. 

Holzschnitzerei der Renaissance und mehr

Der vorherrschende Ton und das Verständnis für den Platz des Menschen im größeren Zusammenhang änderten sich mit der Renaissance sozusagen von der Peripherie ins Zentrum. Die Idee des Uomo Universale, eines universellen Menschen, der im Mittelpunkt des Kosmos steht, wurde vom Humanismus der Renaissance und einem seiner bedeutendsten Denker, Leon Battista Alberti, entwickelt.

Das Konzept wurde von den Künstlern sofort angenommen, und sie begannen, ihre Aufmerksamkeit von religiösen Themen auf negative Darstellungen der menschlichen Erfahrung zu lenken.

Die Popularität weltlicher Porträts und Skulpturen nahm dramatisch zu, aber wegen des Wunsches, ihr Bild für die Nachwelt zu erhalten, war Holz nicht immer die erste Wahl der Handwerker. Nichtsdestotrotz entwickelte sich die Bildhauerei in dieser Zeit weiter, wobei Donatellos wunderschön geschnitzter Johannes der Täufer (1457) in Venedig und die Büßende Magdalena (1453-1455), die heute in Florenz erhalten ist, zwei bemerkenswerte Beispiele sind.

Kunstwerke aus Holz Klassizismus

Nach der Wiederbelebung des Interesses an der antiken Kunst durch die Bücher von Johann Joachim Winckelmann kam der Klassizismus mit einem unstillbaren Appetit auf Marmor.  Die Tendenz, die antike griechisch-römische Bildhauerei zu kopieren, führte dazu, dass Holz nur noch zur Dekoration und Gestaltung verwendet wurde, wobei die Grinling-Gibbons-Schule der Holzschnitzerei in England eine der bedeutendsten war.

Kaminsimse, Türverkleidungen und Eingänge wurden aus Holz geschnitzt, und im 18. Jahrhundert nahm die Herstellung von hölzernen Putten zu. Die Bildhauerkunst wurde um die Wende zum 19. Jahrhundert in verschiedenen europäischen Ländern in den Lehrplan der Kunstschulen aufgenommen. 

Moderne Holzschnitzerei Skulptur

Nach der Liberalisierung der Kunstgattungen, die zu einer Diversifizierung der Materialien führte, kehrten die modernen Kunsthandwerker zur Holzschnitzerei zurück. Henry Moore, Constantin Brancusi, Paul Gauguin, Xawery Dunikowski, Barbara Hepworth und Louise Nevelson gehören zu den vielen Künstlern, die für ihr Können in der Holzschnitzerei bekannt sind.

Moore ist bekannt für seine polierten Holzskulpturen wie die Liegende Figur von 1936, Gauguin folgte der traditionellen Holzschnitztechnik Tahitis, indem er Reliefs aus Holz herstellte, während Nevelson Assemblagen aus gefundenen Holzteilen anfertigte.  

Kulturelle Implikationen der Holzschnitzerei

Holz war das wichtigste Material für viele Schöpfer aus Ozeanien, Australien, Afrika und Amerika und wurde auch in den westlichen Zivilisationen verwendet. Holz ist zum Beispiel eine der wichtigsten Ausdrucksformen in der Kunst der Aborigines, und im Nahen Osten gibt es eine lange Tradition der Holzbearbeitung.

Künstler verwenden dieses Material aus einer Vielzahl von Gründen, darunter aus dekorativen und religiösen oder zeremoniellen Gründen, aber in der kolonialen Umgebung wurde die Verwendung des Materials als Hinweis auf das folkloristische und im Allgemeinen rudimentäre kulturelle Niveau der Menschen, die es verwendeten, fehlinterpretiert.

Während Europa das Holz allmählich dem Bereich der dekorativen Gestaltung unterordnete, interpretierten andere Nationen die Holzbearbeitung durch Folklore und Tradition. Afrikanische Masken, die später Picasso und Bewegungen wie den Fauvismus und den Expressionismus beeinflussten, wurden als zeremonielle Objekte mit geringem oder gar keinem ästhetischen Wert der Holzschnitzerei angesehen.

Dank der politischen und kulturellen Veränderungen in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts und darüber hinaus gehören die negativen kulturellen Aspekte der Holzkunst heute der Geschichte an, und die Holzschnitzerei wird genauso geschätzt und genutzt wie jede andere kreative Tätigkeit. Während Handwerker weiterhin Holz zu großartigen Kunstwerken schnitzen, scheint das Interesse an Holz und seiner Qualität groß zu sein. 

Techniken der Holzschnitzerei

Zum Schnitzen und Schneiden des Holzes wird ein spezielles Schnitzmesser verwendet, für Vertiefungen und Rundungen ein Stechbeitel mit gebogenem, scharfem Ende, für Linien ein Stechbeitel mit gerader Schneide und für das Schnitzen des Holzes verschiedene Hämmer.

Bei der Holzschnitzerei beginnt der Bildhauer mit der Auswahl eines Holzstücks, das für die Form und die Abmessungen des Werks geeignet ist.

Anschließend schneidet er das Holz mit Hohlmeisseln verschiedener Durchmesser in eine ungefähre Form, die er mit verschiedenen Werkzeugen wie Adern verfeinert. Nach Abschluss der mühsamen Arbeit glättet der Bildhauer die Oberflächen mit Raspeln und verschiedenen Arten von Schleifpapier. Zum Schluss färbt er die Skulptur mit Lein- oder Walnussöl und überzieht sie mit Harz, Firnis oder Wachs, um sie zu veredeln und zu konservieren. 

Berühmte Künstler und Kunstwerke der Holzschnitzerei

Im Laufe der Geschichte haben Menschen aus aller Welt zugängliche Materialien wie Stein und Holz verwendet, um ihre grundlegenden Überzeugungen zu vermitteln. Infolgedessen hat die Kunst Jahrhundert für Jahrhundert eine Blütezeit erlebt, die von subtilen Idealen geprägt ist und die Traditionen unserer Vorfahren fortführt.

Um Sie an der Schönheit, dem Wissen und dem Talent der brillanten Meister der Holzschnitzerei teilhaben zu lassen, haben wir im Folgenden eine Liste mit den bemerkenswertesten Beispielen der Holzschnitzerei zusammengestellt.

Die Pietà, die als eigenständige Andachtsfigur erstmals im späten 13. Jahrhundert auftaucht, ist eine der bewegendsten Darstellungsformen der christlichen Kunst. Die Pietà im Rheinischen Landesmuseum in Bonn ist eine der bekanntesten, weil sie sehr gefühlsbetont ist. Auf dieser Holzschnitzerei ist die Jungfrau zu sehen, die den toten Christus in ihrem Schoß hält.

Der Kummer über den Verlust hat ihren Körper verformt. Sie ist eine der ersten Skulpturen ihrer Art und zeichnet sich durch ihre klare und starke Darstellung von Angst aus.

Es ist schwer, beim Anblick von Röttgens Pietà nicht etwas zu empfinden - vielleicht Abneigung, Entsetzen oder Ekel. Es ist erschreckend, aber je länger man es ansieht, desto faszinierender wird es. Dies ist Teil der Schönheit und Dramatik der gotischen Kunst, die beim mittelalterlichen Publikum eine emotionale Reaktion hervorrufen sollte. In früheren mittelalterlichen Christusdarstellungen wurde die Göttlichkeit Christi betont. Christus wird in diesen Kunstwerken der Holzschnitzerei gekreuzigt, aber er leidet nicht.

Diese Kreuzigungsbilder gehören zu einer Kategorie namens "Christus Triumphans". Christus steht bei der Kreuzigung aufrecht und wachsam da, widersteht den menschlichen Qualen, weil seine Göttlichkeit alle menschlichen Komponenten überwindet.

Bekannte Holzkunst - Holzschnitzerei

Diese bekannte Skulptur ist auch unter dem Namen La Belle Allemande bekannt, und es ist möglich, dass sie von einem Dürer-Druck aus der Zeit um 1500 inspiriert wurde. Die einheitliche und heitere körperliche Nacktheit der Heiligen, die durch ihre Locken hervorgehoben und verdeckt wird, und ihre anmutige Haltung, die sich in einem subtilen Contrapposto wiegt, offenbaren ein Verlangen nach fleischlicher Schönheit, das nun Teil des Geistes der Renaissance war.

Das Werk wurde von Gregor Erhart, einem Bildhauer der Spätgotik, geschaffen. Die unterstützenden Engel wurden schließlich aus dem Werk entfernt.

Die ruhige Eleganz und das freundliche Gesicht der Heiligen deuten auf den zarten Stil der schwäbischen Sengothic-Tradition hin, während die ausladenden Hüften - ein Hinweis auf den traditionellen Kontrapost - sowie die Symmetrie und Fülle des nackten Körpers das Streben der Renaissance nach formaler Schönheit widerspiegeln.

Anstelle des dünnen, unnatürlichen Körpers der Gotik entwickelt er weibliche Rundungen, straffe Muskeln und ein großes Sinnesbewusstsein.

Im Jahr 1499 gab der Rat der Stadt Rothenburg den Altar in Auftrag, um die Monstranz, die die verehrte Heilig-Blut-Reliquie der Stadt trug, in einem größeren Rahmen zu präsentieren. Tilman Riemenschneider, ein bekannter Würzburger Bildhauer, wurde mit der Bildhauerei der Altarfiguren beauftragt, während Erhard Harschner, ein ortsansässiger Handwerker, das Grundgerüst und die Struktur baute. Der Altar wurde 1595 fertiggestellt und in der leuchtenden Heilig-Blut-Kapelle in der westlichen Apsis der St. James's Church aufgestellt.

Sie war 9,7 Meter hoch und schien sich wie die Fenster und Säulen der Kirche in den Himmel zu erheben, mit einer dünnen Rahmenstruktur, die im Kontrast zu den robusten Altären der damaligen Zeit stand.

Nach wie vor strömen täglich Besucher in die Jakobskirche, denn Rothenburg ist die beliebteste Station auf der Romantischen Straße und der Altar ein ästhetischer Höhepunkt. Die Heilig-Blut-Reliquie bleibt an ihrem Platz auf dem Altar, obwohl die Jakobuskirche seit über 500 Jahren evangelisch ist und die meisten Touristen kommen, um das Kunstwerk der Holzschnitzerei zu sehen.

In der Mitte des Bildes ist Christus dargestellt, wie er von der Kreuzigung aufgerichtet wird. Die beiden Schurken wurden bereits verhaftet. Zwei Männer stolpern unter einem von ihnen nach rechts, während der reuige Dieb in der Leiter gefangen ist, die an seinem Kreuz lehnt. Zwei von Maria und Johannes umgeben das ohnmächtige Bild der Jungfrau. Die Werkzeuge der Passion liegen verstreut auf dem Boden.

Das Bild ist identisch mit dem des berühmten Malers und Schriftstellers Giorgio Vasari, der behauptete, Jacopo Sansovino habe in Rom eine Wachsfigur des Werks für Perugino angefertigt.

Dies ist wahrscheinlich richtig, denn es existieren noch Kopien eines Perugino-Gemäldes, das auf dem fraglichen Modell basiert. Dieses Modell scheint auch ein frühes Gemälde von Andrea del Sarto in Venedig inspiriert zu haben. Sansovino wurde in Florenz geboren und ausgebildet, verbrachte aber auch einige Zeit in Rom, bevor er 1527 nach Venedig zog. Er wurde zu einem bedeutenden Bildhauer und Architekten in der Stadt und entwickelte eine große Schule von Nachfolgern, die hauptsächlich in Bronze und Marmor arbeiteten.

Das Modell steht in einem hölzernen Tabernakel aus dem frühen 16. Jahrhundert. Die Figur befand sich um 1550 im Besitz von Giovanni Gaddi in Florenz, und Ignazio Hugford kaufte sie 1766 von der Casa Gaddi. Huxford könnte derjenige sein, der die inzwischen verblasste Landschaft auf der Rückwand neu gemalt hat.

Im Jahr 1855 ging das Modell in die Sammlung von Ottavio Gigli ein und war eines der Werke, die für das Museum erworben wurden.

Der Erzengel Gabriel und die Jungfrau Maria sind von einer Schar kleiner Engel umgeben, von denen viele mit Begeisterung Glocken läuten oder Instrumente spielen. Die Skulpturen sind von einem Rosenkranz mit acht Medaillons umgeben, auf denen Episoden aus dem Leben der Jungfrau und Jesu dargestellt sind. Stoss entwarf eine goldene Krone, die über dem Rahmen hängen sollte, aber inzwischen verschwunden ist. Um Stoss' Skulptur zu beleuchten, beauftragte Tucher den Kunsthandwerker Jakob Pulmann, einen eisernen Kandelaber mit einer kleinen Marienfigur zu konstruieren und zu installieren.

Das Ensemble entstand auf dem Höhepunkt der deutschen Reformation, als lutherische Radikale begannen, die Notwendigkeit und den Zweck sakraler Kunst in Frage zu stellen und Konzepte wie den Ikonoklasmus einführten.

Tucher und die Stadt wandten sich 1525 vom Katholizismus ab und traten zum Luthertum über. 1519 wurde ein grünes Tuch über das Werk gehängt, außer an heiligen Tagen, an denen es enthüllt werden durfte. Lange Zeit wurde angenommen, dass der Schleier von den Ikonoklasten erzwungen wurde, doch als im 20. Jahrhundert ein von Tucher verfasstes Dokument entdeckt wurde, wird darin eine Zahlung für den Stoff erwähnt, was zeigt, dass der Schleier Teil des ursprünglichen Entwurfs war.

Das 15. Jahrhundert

In den späten 1520er Jahren galt er als rein devotional, ohne liturgischen Zweck; er ehrte eher Maria als Christus und konzentrierte sich auf den Rosenkranz, der bei den Lutheranern in Ungnade gefallen war. Der Unterhalt war teuer, und es wurde vorgeschlagen, dass das Geld, das dafür ausgegeben wurde, besser für die Unterstützung von Bedürftigen verwendet werden sollte.

Das Werk wurde im Allgemeinen vom Abriss verschont, da es als Privatbesitz der wohlhabenden und mächtigen Familie Tucher galt. Religiöse Kunst, die vom Adel in Auftrag gegeben wurde, blieb im nachreformatorischen Deutschland in der Regel verschont, wenn sie in einer persönlichen Sammlung enthalten war. Dennoch durfte es - wenn auch versteckt - in einem öffentlichen Raum verbleiben, was zeigt, dass Nürnberg stolz auf seine Geschichte ist. Nur die Krone wurde demontiert und abgerissen, während der mittlere Teil teilweise abgedeckt und deaktiviert wurde.

Das Projekt war immer noch in Gefahr und wurde als "eine Schande für Nürnberg" bezeichnet. Um Geld zu sparen, wurde eine Spendenaktion gestartet, um die Metallaufhängung durch Hanf zu ersetzen. Dieses Seil riss jedoch 1817, und der "Gruß der Engel" wurde erst Ende des 19. Jahrhunderts vollständig freigelegt und der Öffentlichkeit zugänglich gemacht.

Dieser lebensgroße Holzkragen ist im Stil der venezianischen Nadelspitze gefertigt. Es wurde geschnitzt, um das Talent des Schnitzers zu zeigen. Bei architektonischen Ornamenten, die mit Gibbons in Verbindung gebracht werden, finden sich ähnliche Mäntel. Diese Skulptur wurde wahrscheinlich geschaffen, um potenzielle Kunden anzuziehen und zu präsentieren. Der Krakatan war im Besitz von Horace Walpole, einem Holzschnitzer, der Gibbons' Kunst bewunderte. Gibbons Schnitzereien wurden in einem Salon im Haus seiner Familie in Norfolk ausgestellt.

Obwohl diese Zuschreibung nicht mehr anerkannt ist, glaubte Walpole, dass eine der Elfenbeinstatuen in seinem Kabinett, die Judith mit dem Kopf des Holofernes darstellte, ebenfalls von Gibbons geschaffen wurde.

Entwicklung des Schnitzens in der Neuzeit

Gibbons' Kabinett war im Strawberry Hills Tribune Room zusammen mit dem Kabinett von Walpole ausgestellt. Es gehörte zum Inventar von Horace Walpole an einzigartigen kleinen Gegenständen. Walpole trug die Jacke, als er 1769 einige namhafte spanische, französische und portugiesische Gäste in seiner Residenz Strawberry Hill in Twickenham empfing.

Die enormen Ausmaße und die dramatische Wirkung von Nevelsons Wandskulpturen ergänzten die große Persönlichkeit der Künstlerin. Die schwarze Farbe gefiel dem Künstler, weil sie "Totalität, Ruhe und Erhabenheit" ausstrahlt. Die spektralen Spuren der zerbrochenen Objekte werden langsam vom Licht eingefangen, so dass eine illusorische Handschrift auf der samtig schwarzen Oberfläche entsteht. Die Himmelskathedrale suggeriert "die himmlischen Sphären, die Reiche zwischen Land und Meer", wie Nevelson beschrieb, die jenseits unseres gewöhnlichen Bewusstseins liegen.

Mit ihren monochromen Holzskulpturen, die aus kastenartigen Strukturen und eingebetteten Objekten bestehen, begründete Louise Nevelson, eine bedeutende Künstlerin des 20. Jahrhunderts, die ortsbezogene und installative Kunst.

Ihre ersten, ganz in Schwarz gehaltenen Skulpturen enthüllten einen Schwerpunkt auf Schatten und Raum und schufen ein visuelles Vokabular, das die meisten ihrer Arbeiten ab Mitte der 1950er Jahre kennzeichnen sollte. Nevelsons Werk erforscht die wechselseitigen Möglichkeiten von Skulptur und Umwelt, indem es die Objektivierung der äußeren Welt in einen persönlichen Rahmen einbettet.

Holz wird seit langem für die Herstellung von Skulpturen verwendet, hält aber nicht so lange wie andere Grundmaterialien wie Stein und Kupfer, da es anfällig für Verfall, Schädlingsbefall und Feuer ist. Aus diesem Grund ist die Holzschnitzerei ein wichtiger verborgener Aspekt in der Kunstgeschichte vieler Nationen. In den meisten Regionen der Welt überdauern Holzskulpturen im Außenbereich nicht lange, so dass die Ursprünge der Totempfahltraditionen unklar sind. Holz wird für viele der bedeutendsten Skulpturen Japans und Chinas sowie für die meisten ozeanischen, afrikanischen und anderen regionalen Skulpturen verwendet.

Häufig gestellte Fragen

Was ist Holzschnitzerei?

Bei der Holzschnitzerei handelt es sich um eine Art der Holzbearbeitung, bei der mit einer Hand ein Schneidewerkzeug, mit zwei Händen ein Meißel, mit einer Hand ein Meißel und mit einer Hand ein Hammer benutzt werden, um eine Holzfigur oder eine Figur oder eine bildhauerische Verzierung auf einem Holzobjekt zu schaffen. Der Begriff kann sich auch auf das Endergebnis beziehen, das von einzelnen Skulpturen bis hin zu handgefertigten Leisten, die ein Maßwerk bilden, reichen kann. 

Welche Rolle spielte die Religion in der frühen Schnitzkunst?

Schon früh in seiner Geschichte erkannte das Christentum die Verwendung von Holz für religiöse Zwecke und schnitzte Kreuze und verschiedene heilige Bilder und Heilige in Holz. Aufgrund ihrer Unbeständigkeit und ihrer Anfälligkeit für Wasser, Schädlinge und Pilze sind viele der holzgeschnitzten Skulpturperlen im Laufe der Zeit verloren gegangen. Die Anzahl der visuellen Geschichten, die Künstler erzählen konnten, war im Mittelalter ebenfalls begrenzt, da die meisten künstlerischen Bestrebungen der Epoche durch religiöse Konferenzen geregelt wurden, bei denen das Dogma streng befolgt wurde, und Anweisungen darüber, was erlaubt und was nicht erlaubt war, die meisten künstlerischen Bestrebungen der Epoche bestimmten.

Wie trägt Bosnic.ART die Kunst des Holzschnitzens in die Gegenwart?

Bosnic.Art lebt die Geschichte der Holzschnitzerei indem wir hochwertige Objekte fertigen, die Zeit überdauern, grosse Freude bereiten und die lange Tradition der Kunst des Holzschnitzens hoch halten. Dabei ist höchste Qualität, sowohl bei den Trophäenschildern, den Gewehrkolben und den Bildern aus Holz unser höchster Anspruch.