Sculpture sur bois - un métier

Qu'est-ce que la sculpture sur bois ? Une visite dans certaines des galeries d'art et des ventes aux enchères les plus renommées au monde montre que les sculptures sur bois sont toujours populaires. Les œuvres d'art en bois ont toujours captivé l'imagination des designers et des artistes car elles sont facilement accessibles et relativement faciles à sculpter. Le développement de la sculpture sur bois est parallèle au développement de l'art dans son ensemble, de l'utilisation pour la sculpture religieuse et dévotionnelle à la métamorphose en formes abstraites.

Histoire de la sculpture sur bois

En plus d'être finement travaillées et teintées, les sculptures en bois étaient appréciées pour leur beauté organique et leur texture. Non seulement ils ont pris les formes voulues par les artistes, mais ils ont aussi été prisés pour leur esthétique.

Outre leurs caractéristiques fondamentales, les œuvres d'art en bois portaient également d'autres connotations culturelles et sociales qui influençaient leur utilisation.

La sculpture sur bois dans l'art occidental est passée d'un matériau couramment utilisé et considéré comme ayant moins de valeur culturelle que, par exemple, le marbre, à un matériau célébré et largement utilisé par les artistes contemporains. Aujourd'hui, nous explorerons l'histoire de la sculpture et examinerons des exemples de sculpture sur bois et de techniques de sculpture sur bois utilisées par les artistes au fil des ans.

Sculpture sur bois et sculpture au Moyen Âge

Bien que la pratique de la création d'œuvres d'art en bois remonte à la préhistoire, lorsque la sculpture sur bois jouait un rôle cérémoniel spécifique - le plus ancien exemple de sculpture sur bois est l' idole de Shigir , sculptée il y a environ 11 000 ans -, commençons par le Moyen Âge.

Le christianisme a reconnu très tôt que le bois pouvait être utilisé à des fins religieuses et a sculpté des croix et d'autres images sacrées et des saints dans le bois.

La plus ancienne sculpture en bois La grande idole de Shigir, conservée au Musée régional des traditions locales de Sverdlovsk (Ekaterinbourg), est la plus ancienne sculpture en bois connue au monde. Une datation radioactive de 1997 a donné un âge d'environ 11 600 ans ;

De nombreux trésors sculpturaux en bois ont disparu au fil des ans car ils sont périssables et vulnérables à l'eau, aux insectes et aux champignons. Le Moyen Âge a également limité le nombre d'histoires visuelles que les artistes étaient autorisés à raconter. Celles-ci étaient généralement décidées lors de conférences religieuses, où le dogme était strictement suivi et des instructions sur ce qui était et ce qui n'était pas autorisé déterminaient la plupart des efforts artistiques de l'époque. L'autel du Saint-Sang, le crucifix Gero et la Pietà en rouge ne sont que quelques-uns des nombreux exemples remarquables de sculpture sur bois.

L'Allemagne était l'une des régions les plus prolifiques pour l'art de la sculpture sur bois, produisant de nombreux chefs-d'œuvre. Outre les personnages, les poutres du plafond, les retables, les bustes et les reliefs étaient également en bois.

Sculpture sur bois de la Renaissance et plus

Le ton dominant et la compréhension de la place de l'homme dans un contexte plus large ont changé avec la Renaissance, pour ainsi dire, de la périphérie vers le centre. L'idée de l'uomo universale, un être humain universel au centre du cosmos, a été développée par l'humanisme de la Renaissance et l'un de ses penseurs les plus importants, Leon Battista Alberti.

Le concept a été immédiatement adopté par les artistes, et ils ont commencé à déplacer leur attention des thèmes religieux vers des représentations négatives de l'expérience humaine.

La popularité des portraits profanes et de la sculpture a considérablement augmenté, mais en raison du désir de préserver leur image pour la postérité, le bois n'a pas toujours été le premier choix des artisans. Néanmoins, la sculpture a continué à se développer au cours de cette période, avec Saint Jean-Baptiste magnifiquement sculpté de Donatello (1457) à Venise et la Madeleine pénitente (1453-1455) maintenant conservée à Florence en étant deux exemples notables.

Oeuvres d'art en bois classicisme

Après le regain d'intérêt pour l'art ancien par les livres de Johann Joachim Winckelmann, le classicisme s'accompagne d'un appétit insatiable pour le marbre. La tendance à copier l'ancienne sculpture gréco-romaine a conduit à l'utilisation du bois uniquement pour la décoration et l'encadrement, l'école de sculpture sur bois Grinling-Gibbons en Angleterre étant l'une des plus importantes.

Les manteaux, les panneaux de porte et les embrasures de porte étaient sculptés dans du bois et la fabrication de putti en bois s'est développée au XVIIIe siècle. La sculpture a été introduite dans le programme des écoles d'art de divers pays européens au tournant du XIXe siècle.

Sculpture en bois moderne

Après la libéralisation des genres artistiques, qui a conduit à une diversification des matériaux, les artisans modernes reviennent à la sculpture sur bois. Henry Moore, Constantin Brancusi, Paul Gauguin, Xawery Dunikowski, Barbara Hepworth et Louise Nevelson font partie des nombreux artistes connus pour leur talent dans la sculpture sur bois.

Moore est connu pour ses sculptures en bois poli telles que la figure allongée de 1936, Gauguin a suivi la technique traditionnelle tahitienne de sculpture sur bois en fabriquant des reliefs en bois, tandis que Nevelson a fait des assemblages à partir de morceaux de bois trouvés.

Implications culturelles de la sculpture sur bois

Le bois était le matériau principal de nombreux créateurs d'Océanie, d'Australie, d'Afrique et d'Amérique et était également utilisé dans les civilisations occidentales. Par exemple, le bois est l'une des formes d'expression les plus importantes de l'art aborigène et il existe une longue tradition de travail du bois au Moyen-Orient.

Les artistes utilisent ce matériau pour diverses raisons, y compris décoratives et religieuses ou cérémonielles, mais dans le cadre colonial, l'utilisation du matériau a été interprétée à tort comme indiquant le niveau culturel folklorique et généralement rudimentaire des personnes qui l'utilisaient.

Alors que l'Europe a progressivement subordonné le bois au domaine du design décoratif, d'autres nations ont interprété le travail du bois à travers le folklore et la tradition. Les masques africains, qui ont ensuite influencé Picasso et des mouvements tels que le fauvisme et l'expressionnisme, étaient considérés comme des objets de cérémonie avec peu ou pas de valeur esthétique dans la sculpture sur bois.

Grâce aux changements politiques et culturels de la seconde moitié du XXe siècle et au-delà, les aspects culturels négatifs de l'artisanat du bois appartiennent désormais au passé et la sculpture sur bois est valorisée et utilisée comme toute autre activité créative. Alors que les artisans continuent de sculpter le bois dans de grandes œuvres d'art, l'intérêt pour le bois et sa qualité semble être élevé.

Techniques de sculpture sur bois

Un couteau à découper spécial est utilisé pour sculpter et couper le bois, un ciseau avec une extrémité incurvée et pointue pour les indentations et les courbes, un ciseau à bord droit pour les lignes et divers marteaux pour sculpter le bois.

En sculpture sur bois, le sculpteur commence par choisir une pièce de bois appropriée à la forme et aux dimensions de l'œuvre.

Il taille ensuite le bois en une forme approximative avec des gouges de différents diamètres, qu'il affine avec divers outils tels que des veines. Après avoir terminé le travail minutieux, le sculpteur lisse les surfaces avec des râpes et divers types de papier de verre. Enfin, il colore la sculpture avec de l'huile de lin ou de noix et la recouvre de résine, de vernis ou de cire pour l'affiner et la préserver.

Artistes célèbres et œuvres d'art de la sculpture sur bois

Tout au long de l'histoire, des gens du monde entier ont utilisé des matériaux accessibles tels que la pierre et le bois pour transmettre leurs croyances fondamentales. Ainsi, siècle après siècle, l'art s'est épanoui, façonné par des idéaux subtils et perpétuant les traditions de nos ancêtres.

Pour partager avec vous la beauté, les connaissances et le talent des brillants maîtres de la sculpture sur bois, nous avons compilé ci-dessous une liste des exemples les plus remarquables de la sculpture sur bois.

La Pietà, qui est apparue pour la première fois comme figure de dévotion indépendante à la fin du XIIIe siècle, est l'une des formes de représentation les plus émouvantes de l'art chrétien. La Pietà du Rheinisches Landesmuseum de Bonn est l'une des plus connues car elle est très émouvante. Cette sculpture sur bois représente la Vierge tenant le Christ mort sur ses genoux.

Le chagrin de la perte a déformé son corps. L'une des premières sculptures de ce type, elle se distingue par sa représentation claire et puissante de la peur.

Il est difficile de ne pas ressentir quelque chose en regardant la Pietà de Röttgen - peut-être de l'aversion, de l'horreur ou du dégoût. C'est terrifiant, mais plus vous le regardez, plus il devient fascinant. Cela fait partie de la beauté et du drame de l'art gothique qui visait à susciter une réaction émotionnelle du public médiéval. Dans les premières représentations médiévales du Christ, la divinité du Christ était soulignée. Le Christ est crucifié dans ces sculptures sur bois, mais il ne souffre pas.

Ces images de crucifixion appartiennent à une catégorie appelée "Christus Triumphans". Le Christ se tient debout et alerte à la crucifixion, résistant aux tourments humains parce que sa divinité transcende toutes les composantes humaines.

Art du bois connu - sculpture sur bois

Également connue sous le nom de La Belle Allemande, cette sculpture bien connue a peut-être été inspirée par une estampe de Dürer datant d'environ 1500. La nudité physique uniforme et sereine de la sainte, soulignée et dissimulée par ses boucles, et sa pose gracieuse se balançant dans un subtil contrapposto, révèlent un besoin de beauté charnelle qui fait désormais partie de l'esprit de la Renaissance.

L'œuvre a été créée par Gregor Erhart, un sculpteur gothique tardif. Les anges de soutien ont finalement été retirés de l'œuvre.

L'élégance calme et le visage bienveillant du saint suggèrent le style délicat de la tradition souabe sengothique, tandis que les hanches larges - un clin d'œil au contrapposto traditionnel - et la symétrie et la plénitude du corps nu reflètent la quête de la beauté formelle de la Renaissance.

Au lieu du corps mince et contre nature du gothique, il développe des courbes féminines, des muscles tendus et une grande conscience sensorielle.

En 1499, le conseil municipal de Rothenburg a commandé l'autel pour présenter l'ostensoir, qui portait la relique vénérée du Saint-Sang de la ville, dans un cadre plus vaste. Tilman Riemenschneider, un sculpteur bien connu de Würzburg, a été chargé de sculpter les figures de l'autel, tandis qu'Erhard Harschner, un artisan local, a construit le squelette et la structure. L'autel a été achevé en 1595 et placé dans la lumineuse chapelle du Saint-Sang dans l'abside ouest de l'église Saint-Jacques.

Haute de 9,7 mètres, elle semblait s'élancer vers le ciel comme les fenêtres et les piliers de l'église, avec une charpente fine qui contrastait avec les autels robustes de l'époque.

Les visiteurs continuent d'affluer chaque jour vers la Jakobskirche, car Rothenburg est l'arrêt le plus populaire de la Route romantique et l'autel est un atout esthétique. La relique du Saint-Sang reste à sa place sur l'autel, bien que l'église Saint-Jacques soit évangélique depuis plus de 500 ans et que la plupart des touristes viennent voir les sculptures sur bois.

Au centre de l'image, le Christ est ressuscité de la crucifixion. Les deux méchants ont déjà été arrêtés. Deux hommes trébuchent sous l'un d'eux à droite, tandis que le voleur repentant est pris au piège dans l'échelle appuyé contre sa croix. Deux de Marie et Jean entourent l'image évanouie de la Vierge. Les outils de la passion gisent éparpillés sur le sol.

L'image est identique à celle du célèbre peintre et écrivain Giorgio Vasari, qui a affirmé que Jacopo Sansovino avait réalisé une figure de cire de l'œuvre pour le Pérugin à Rome.

C'est probablement exact, car des copies d'un tableau du Pérugin basé sur le modèle en question existent toujours. Ce modèle semble également avoir inspiré un premier tableau d'Andrea del Sarto à Venise. Sansovino est né et a fait ses études à Florence, mais a également passé du temps à Rome avant de s'installer à Venise en 1527. Il devint un sculpteur et architecte majeur de la ville et développa une grande école d'adeptes travaillant principalement le bronze et le marbre.

Le modèle se trouve dans un tabernacle en bois du début du XVIe siècle. La figure appartenait à Giovanni Gaddi à Florence vers 1550 et Ignazio Hugford l'a achetée à la Casa Gaddi en 1766. Huxford est peut-être celui qui a repeint le paysage maintenant fané sur le mur du fond.

En 1855, le modèle entra dans la collection d'Ottavio Gigli et fut l'une des œuvres acquises pour le musée.

L'Archange Gabriel et la Vierge Marie sont entourés d'une foule de petits anges, dont beaucoup sonnent avec enthousiasme des cloches ou jouent des instruments. Les sculptures sont entourées d'un chapelet à huit médaillons représentant des épisodes de la vie de la Vierge et de Jésus. Stoss a conçu une couronne en or pour accrocher au-dessus du cadre mais a depuis disparu. Pour éclairer la sculpture de Stoss, Tucher a chargé l'artisan Jakob Pulmann de construire et d'installer un candélabre en fer avec une petite figure de Marie.

L'ensemble est né au plus fort de la Réforme allemande, lorsque les radicaux luthériens ont commencé à remettre en question la nécessité et le but de l'art sacré et ont introduit des concepts tels que l'iconoclasme.

Tucher et la ville se détournèrent du catholicisme en 1525 et se convertirent au luthéranisme. En 1519, un drap vert était suspendu au-dessus de l'œuvre, sauf les jours saints où il était permis de le dévoiler. On a longtemps pensé que le voile avait été imposé par les iconoclastes, mais lorsqu'un document écrit par Tucher a été découvert au XXe siècle, il mentionne un paiement pour le tissu, montrant que le voile faisait partie du dessin original.

Le 15e siècle

À la fin des années 1520, il était considéré comme purement dévotionnel, sans but liturgique; il a honoré Marie plutôt que le Christ et s'est concentré sur le Rosaire, qui était tombé en disgrâce auprès des luthériens. L'entretien était coûteux et il a été suggéré que l'argent dépensé serait mieux dépensé pour aider ceux qui en avaient besoin.

L'œuvre a généralement été épargnée par la démolition car elle était considérée comme la propriété privée de la riche et puissante famille Tucher. L'art religieux commandé par la noblesse était généralement épargné dans l'Allemagne post-Réforme s'il faisait partie d'une collection personnelle. Néanmoins, il a été autorisé à rester dans un espace public - bien que caché - ce qui montre que Nuremberg est fière de son histoire. Seule la couronne a été démontée et arrachée, tandis que la carrure a été partiellement recouverte et désactivée.

Le projet était toujours en danger et a été décrit comme "une honte pour Nuremberg". Pour économiser de l'argent, une collecte de fonds a été lancée pour remplacer le cintre en métal par du chanvre. Cependant, cette corde s'est cassée en 1817, et la "Salutation des anges" n'a été entièrement découverte et ouverte au public qu'à la fin du 19ème siècle.

Ce collier en bois grandeur nature est fait dans le style de la dentelle à l'aiguille vénitienne. Il a été sculpté pour montrer le talent du sculpteur. Des manteaux similaires se retrouvent dans les ornements architecturaux associés aux gibbons. Cette sculpture a probablement été créée pour attirer et mettre en valeur des clients potentiels. Le Krakatan appartenait à Horace Walpole, un sculpteur sur bois qui admirait l'art de Gibbons. Les sculptures de Gibbon ont été exposées dans un salon de sa maison familiale à Norfolk.

Bien que cette attribution ne soit plus acceptée, Walpole pensait que l'une des statues en ivoire de son cabinet, représentant Judith avec la tête d'Holopherne, avait également été réalisée par Gibbons.

Développement de la sculpture à l'époque moderne

Le cabinet de Gibbons était exposé dans la salle Strawberry Hills Tribune avec le cabinet de Walpole. Il faisait partie de l'inventaire de petits objets uniques d'Horace Walpole. Walpole portait la veste lorsqu'il recevait des invités espagnols, français et portugais notables dans sa résidence de Strawberry Hill à Twickenham en 1769.

Les proportions énormes et l'effet dramatique des sculptures murales de Nevelson complètent la grande personnalité de l'artiste. La couleur noire a séduit l'artiste car elle émane « de la totalité, du calme et de la grandeur ». Les traces spectrales des objets brisés sont lentement capturées par la lumière, créant une écriture illusoire sur la surface noire veloutée. La cathédrale du ciel suggère, comme l'a décrit Nevelson, "les sphères célestes, les royaumes entre terre et mer, qui se trouvent au-delà de notre conscience ordinaire.

Artiste majeure du XXe siècle, Louise Nevelson a été la pionnière de l'art in situ et installatif avec ses sculptures en bois monochromes composées de structures en forme de boîte et d'objets intégrés.

Ses premières sculptures entièrement noires révèlent une emphase sur l'ombre et l'espace, créant un vocabulaire visuel qui caractérisera la plupart de son travail à partir du milieu des années 1950. Le travail de Nevelson explore les possibilités mutuelles de la sculpture et de l'environnement en intégrant l'objectivation du monde extérieur dans un cadre personnel.

Le bois est utilisé depuis longtemps pour fabriquer des sculptures, mais il ne dure pas aussi longtemps que d'autres matériaux de base comme la pierre et le cuivre, car il est sensible à la pourriture, aux infestations de ravageurs et au feu. Pour cette raison, la sculpture sur bois est un aspect caché important dans l'histoire de l'art de nombreuses nations. La sculpture extérieure en bois ne dure pas longtemps dans la plupart des régions du monde, laissant les origines des traditions des mâts totémiques floues. Le bois est utilisé pour bon nombre des sculptures les plus importantes du Japon et de la Chine, ainsi que pour la plupart des sculptures océaniques, africaines et régionales.

Questions fréquemment posées

Qu'est-ce que la sculpture sur bois ?

La sculpture sur bois est un type de travail du bois dans lequel un outil de coupe est utilisé avec une main, un ciseau est utilisé avec deux mains, un ciseau est utilisé avec une main et un marteau est utilisé avec une main pour tailler une figure ou une figure en bois ou ornement sculptural à créer sur un objet en bois. Le terme peut également faire référence au résultat final, qui peut aller de sculptures individuelles à des rebords fabriqués à la main qui forment un entrelacs.

Quel rôle la religion a-t-elle joué dans la sculpture ancienne ?

Au début de son histoire, le christianisme a reconnu l'utilisation du bois à des fins religieuses, sculptant des croix et diverses images sacrées et saints en bois. En raison de leur impermanence et de leur sensibilité à l'eau, aux parasites et aux champignons, de nombreuses perles sculpturales sculptées en bois ont été perdues au fil du temps. Le nombre d'histoires visuelles que les artistes pouvaient raconter était également limité au Moyen Âge, car la plupart des efforts artistiques de l'époque étaient régis par des conférences religieuses, où le dogme était strictement suivi, et des instructions sur ce qui était autorisé et ce qui n'était pas autorisé, déterminé le plus. des efforts artistiques de l'époque.

Comment Bosnic.ART transporte-t-il l'art de la sculpture sur bois dans le présent ?

Bosnic.Art vit l'histoire de la sculpture sur bois en créant des objets de haute qualité qui résistent à l'épreuve du temps, apportent une grande joie et maintiennent la longue tradition de l' art de la sculpture sur bois . La plus haute qualité est notre exigence la plus élevée, tant pour les plaques de trophées que pour les crosses de fusils et les tableaux en bois.